Intervista a Maze Cricket
Come nasce in te la passione per la musica? Quali sono gli artisti e le band che ami?
Mi sono innamorata per la prima volta della musica quando ho avuto la mia prima lezione di pianoforte da bambina. Quello è stato il momento in cui ho capito che volevo diventare una musicista. Ricordo di aver sperimentato sul mio primo sintetizzatore, creando loop e registrando melodie. Tuttavia, è stato più tardi nella mia vita quando ho iniziato a scrivere le mie canzoni. Fino ad allora studiavo solo pianoforte e musica classica. Alcuni dei miei artisti preferiti sono David Bowie, Depeche Mode, Muse, Archive, Lana Del Rey ed ho anche un grande amore per Brill Building Pop e Rhythm and Blues degli anni ’60.
Hai seguito dei corsi per il canto o sei autodidatta?
Oltre alla mia educazione formale in musica ho preso lezioni di canto, ma per la maggior parte ho scoperto il mio stile di canto quando ho iniziato a produrre e registrare la mia voce.
Sulla tua pagina Instagram c’è scritto: lo space pop è arrivato sulla terra…Puoi commentare queste tue parole?
“Space Pop” è essenzialmente il genere della mia musica, e con quella frase sto più o meno descrivendo come percepisco anche il processo creativo. Sento che l’ispirazione viene da una fonte al di fuori di noi. Chiamalo cosmico o alieno, credo che quando creiamo, attingiamo a un mondo al di fuori della nostra comprensione. E quando si forma un’opera d’arte, è come se portassimo sulla terra un pezzo di magia cosmica.
Di cosa parla il singolo “Sillage”?
Ho scritto “Sillage” come un modo per far fronte a un’esperienza molto traumatica che ho avuto all’interno di una relazione. Ero stato in grado di raccontare alla gente cosa era successo, ma in realtà non ho mai detto a nessuno come mi sentivo, quanto fosse spaventoso e in che modo mi ha colpito. Era più facile trasmettere il messaggio attraverso la poesia e la musica, piuttosto che solo alcune parole vuote. Anche “Sillage” è una delle mie parole preferite, in quanto descrive la scia di un profumo o di un profumo, e nella canzone parlo di seguire ciecamente una vaga immagine della persona che abusa di te perché hai paura delle conseguenze dell’abbandono o difendere te stesso.
Quale è il filo rosso che unisce le tue canzoni? Come nasce una tua canzone? Ci puoi parlare del processo creativo alla base?
Il filo conduttore tra le mie canzoni direi è la navigazione di pensieri e sensazioni oscure e musicalmente sarebbe il suono retrò degli arpeggi di synth e degli effetti sonori elettronici. C’è sempre una narrazione di una storia che accade in ogni canzone, quindi la forma a volte può prendere una deviazione. La maggior parte delle mie canzoni sono il risultato delle mie esperienze di vita e della mia formazione musicale classica. Sebbene la superficie possa suonare come pop o elettronica, accade molto di più all’interno di ogni strato dell’arrangiamento musicale. Di solito inizio creando il ritmo da zero e decidendo una progressione di accordi che poi scompongo in melodie di contrappunto. Prendo ispirazione dal minimalismo anche quando scrivo le melodie per la mia voce. Per la maggior parte i testi vengono dopo, ma a volte li scrivo contemporaneamente.
Con il tuo progetto musicale fai tutto da sola…Quali sono le maggiori difficoltà che incontri? Che programmi o tools usi per la creazione della tua musica?
Per la maggior parte mi è piaciuto fare questo progetto da sola perché ho avuto la possibilità di scoprire il mio suono attraverso la produzione e creare senza essere distratta. Tuttavia, la cosa più difficile nel fare questo da solo è che tutte le responsabilità al di fuori del fare musica ricadono anche su di me. Ho anche scoperto che le persone vanno e vengono e c’è una mancanza di professionalità quando si tratta di collaborare o delegare responsabilità. Per la mia musica utilizzo una serie di DAW separate, Waveform Tracktion, MPC Beats e FL Studio e anche una varietà di sintetizzatori digitali che adoro. Ho anche recentemente incluso nelle mie produzioni il mio primissimo sintetizzatore che ho avuto da piccola.
Una domanda per Danyor Nevsta, creatore del video di “Sillage”. Cosa hai intenzione di trasmettere con questo video?
Durante la realizzazione di questo video ho voluto assicurarmi che il messaggio della canzone fosse rappresentato in metafore e allegorie. La maggior parte dei video musicali in questi giorni presenta il contenuto di una canzone in modo troppo letterale, lasciando ben poco all’immaginazione e alla percezione sensoriale del pubblico. Per questo particolare video ho usato il simbolismo per esprimere paura, angoscia e disperazione, sia nelle figure raffigurate, sia nei colori e nell’atmosfera generale. È sia sognante che da incubo e spetta allo spettatore interpretarlo attraverso i propri obbiettivi, esperienze e immaginazione.
Ancora per Danyor Nevsta. Quali tecniche hai utilizzato per il video?
Il mio processo nella realizzazione di questo video è stato studiare la materia prima e poi lavorare sugli effetti visivi. Ho deciso di seguire le tecniche utilizzate nel cinema delle origini come la retro-proiezione, gli effetti in miniatura e l’azione inversa. In questo modo mi sono assicurato che la narrazione della canzone fosse trasportata in un universo onirico usando solo pochi elementi di base della storia per raggiungere questo obiettivo. Curiosità, la statuetta del “mostro” è stata creata con plastilina, carta e colla.
Una domanda per entrambi. Come è stato collaborare insieme per questo video? Cosa potete dirci a riguardo?
Lavorare a questo video per “Sillage” è stata un’esperienza straordinaria. Ci incontriamo in modo creativo e il flusso di lavoro è davvero produttivo. Danyor è in grado di catturare esattamente l’argomento della canzone ed esprimere sfumature nascoste attraverso l’immagine e il movimento. Ci siamo conosciuti quando eravamo bambini. Siamo cresciuti nella stessa città qui in Grecia e ci è capitato di riconnetterci più tardi nella vita al momento giusto, credo. Avevo appena iniziato questo progetto e Danyor stava già lavorando con le immagini e come regista. Ci siamo connessi istantaneamente attraverso l’arte e continuiamo a ispirarci a vicenda per i progetti attuali e futuri. Ad un certo punto mi ha dato l’idea di iniziare a lavorare su un progetto francese e quando gli ho inviato il demo di “Sillage” l’ha adorato e conosceva esattamente il tipo di estetica visiva che poteva valorizzare la canzone. Sento che questa collaborazione sta preparando un terreno molto fertile e sono sempre entusiasta di vedere cosa ci viene in mente dopo.
Ho ascoltato l’album “Blue orange” che trovo interessante per alcuni groove ritmici come pure per le sonorità dream pop/electro pop che amo particolarmente. Di cosa parlano le canzoni? Puoi presentarlo ai nostri lettori?
Blue Orange come brano è piuttosto psichedelico, parla di una disconnessione da se stessi e dal mondo e di una diversa esperienza della realtà. È una canzone per una crisi esistenziale più o meno. Come parte dell’album funge da capitolo di una storia e credo che una crisi esistenziale e l’interrogatorio facciano parte della storia di tutti ad un certo punto della loro vita. Il miglior genere per me per esprimere questo è stato il sound pop elettronico da sogno. L’intero album “Blue Orange” parla anche di una serie di eventi che innescano la scoperta di sé di qualcuno e i generi variano molto man mano che si attraversa l’esperienza di ascolto. Ho scelto un’estetica retrò per il sound design di questo album che ritengo sia una tendenza globale al momento nell’industria musicale, stiamo tornando agli anni ’80.
Cosa c’è nel futuro di Maze Cricket? Cosa puoi dirci in anteprima riguardo i prossimi album in uscita?
Questa è una domanda difficile perché come persona mi sento sempre come una tela bianca, aperta e ricettiva a tutte le possibilità per il futuro, mi piace prendere un giorno alla volta. direi che per
ora il mio obiettivo principale sono i miei due album in uscita “Kink” in inglese e “Sillage” in francese. Ho anche alcuni progetti di collaborazione in arrivo e piani per altri video musicali. “Kink” per me è come un diario personale e un album molto sperimentale e poco ortodosso. È un progetto piuttosto lungo perché lo vedo come un film/album. “Sillage”, d’altra parte, si concentra maggiormente sul far rivivere l’era del synth pop retrò e anche sull’esplorazione delle difficoltà attraverso testi poetici. Tutto sommato rimango ottimista, creare musica e diventare un artista è un viaggio entusiasmante, non vedo l’ora che arrivi il prossimo!
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English version:
How did the passion for music arise in you? What are the artists and bands you love?
I first fell in love with music when I had my first piano lesson as a child. That was the moment I knew that I wanted to be a musician. I remember experimenting on my first synthesizer, creating loops and recording melodies. However, it was later on in life when I started writing my own songs, up until then I was only studying piano and classical music. A few of my favorite artists are David Bowie, Depeche Mode, Muse, Archive, Lana Del Rey, and I also have a big love for Brill Building Pop and Rhythm and Blues from the 60s.
Have you taken singing courses or are you self-taught?
In addition to my formal education in music I have taken up vocal lessons, but for the most part I discovered my singing style when I started producing and recording my vocals.
On your Instagram page it says: space pop has arrived on earth… Can you comment on these words of yours?
“Space Pop” is essentially the genre of my music, and by that phrase I’m more or less describing how I perceive the creative process as well. I do feel that inspiration comes from a source outside of us. Call that cosmic or alien, I believe that when we create, we tap into a world outside of our understanding. And when a piece of art is formed, it’s as if we brought to earth a piece of cosmic magic.
What is the single “Sillage” about?
I wrote “Sillage” as a way to cope with a very traumatic experience I had within a relationship. I had been able to tell people what happened but I never actually told anyone how I felt, how scary it was, and in what ways it impacted me. It was easier to convey the message through poetry and music, rather than just some empty words. “Sillage” is one of my favorite words too, as it describes the trail of a scent or perfume, and in the song I talk about blindly following a vague image of the person who abuses you because you’re afraid of the consequences of leaving or standing up for yourself.
What is the red thread that unites your songs? How is your song born? Can you tell us about the creative process behind it?
The connecting thread between my songs I would say is the navigation of dark thoughts and sensations, and musically it would be the retro sound of synth arpeggios and electronic sound effects. There is always a narration of a story happening in each song, so the form may sometimes take a detour. Most of my songs are a result of my life experiences and my classical education in music. Although the surface may sound like pop or electronic, there is a lot more happening within each layer of the musical arrangement. I usually start with creating the beat from scratch, and deciding on a chord progression which I then break down into counterpoint melodies. I take inspiration from minimalism as well when writing melodies for my vocals. For the most part the lyrics come afterwards, but sometimes I’ll write them simultaneously.
With your musical project you do everything by yourself… What are the main difficulties you encounter? What programs or tools do you use to create your music?
For the most part I have enjoyed doing this project on my own because I got the chance to discover my sound through production and create without being distracted. However, the most difficult thing about doing this alone is that all responsibilities outside of the music making fall on me as well. I have also discovered that people come and go and there is a lack of professionalism when it comes to collaborative efforts or delegating responsibilities. For my music I use a bunch of separate DAWs, Waveform Tracktion, MPC Beats, and FL Studio, and also a variety of digital synthesizers which I love. I have also recently included in my productions my very first synthesizer that I had when I was little.
A question for Danyor Nevsta, creator of the “Sillage” video. What are you going to convey with this video?
While making this video I wanted to make sure that the message of the song was represented in metaphors and allegory. Most music videos these days are presenting the content of a song way too literally, leaving very little to the audience’s imagination and sensory perception. For this particular video, I used symbolism to express fear, distress, and despair, both in the figures depicted, and also within the colors and the overall atmosphere. It’s both dreamy and nightmarish, and it’s up to the viewer to interpret it through their own lenses, experiences and imagination.
What techniques did you use for this video?
My process in making this video was to study the raw material and then work on the visual effects. I decided to go with techniques that were used in early cinema such as rear projection, miniature effects, and reverse action. This way I made sure that the narrative of the song was transported in a dream-like universe using only a few basic elements of the story to achieve that. Fun fact, the “monster” figurine was created with plasticine, paper, and glue.
A question for both. What was it like collaborating together on this video? What can you tell us about it?
Working on this video for “Sillage” has been an amazing experience, we get each other creatively and the work flow is really productive. Danyor is able to capture exactly what the song is about and express hidden nuances through image and motion. We met when we were children, we grew up in the same town here in Greece, and we happened to reconnect later on in life at the right timing I believe. I had just started this project and Danyor was already working with visuals and as a director. We connected instantly through art, and we keep inspiring each other for current and future projects. At some point he gave me the idea to start working on a French project, and when I sent him the demo of “Sillage” he loved it and knew exactly the type of visual aesthetic that could enhance the song. I feel that this collaboration is laying out a very fertile ground and I’m always excited to see what we come up with next.
I listened to the album “Blue orange” which I find interesting for some rhythmic grooves as well as for the dream pop / electro pop sounds that I particularly like. What are the songs about? Can you introduce it to our readers?
Blue Orange as a track is quite psychedelic, it talks about a disconnect from one’s self and the world, and a different experience of reality. It’s a song for an existential crisis more or less. As part of the album it serves as a chapter of a story, and I believe that an existential crisis and the questioning is part of everyone’s story at some point in their lives. The best genre for me to express this was the electronic dream pop sound. The whole “Blue Orange” album also talks about a series of events that trigger someone’s self discovery and the genres vary a lot as one goes through the listening experience. I have chosen a retro aesthetic for the sound design of this album which I feel is a global tendency at the moment in the music industry, we are circling back to the 80s.
What’s next for Maze Cricket? What can you tell us in advance about the upcoming albums?
That’s a rough question because as a person I always feel like a blank canvas, open and receptive to all possibilities for the future, I like to take one day at a time. I would say that for now my main focus is my two upcoming albums “Kink” in English, and “Sillage”, in French. I also have some collaborative projects on the way and plans for more music videos. “Kink” for me is like a personal diary and a very experimental and unorthodox album. It’s quite a lengthy project because I kinda see it like a movie/album. “Sillage” on the other hand is focused more on reviving the retro synth pop era, and also exploring difficulties through poetic lyrics. All in all I’m staying optimistic, creating music and becoming an artist is an exciting journey, I’m always looking forward to what’s next!
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